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Biografía de Olafur Eliasson

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1967 • artista de Copenhague, Dinamarca

Olafur Eliasson no es un artista tradicional. Sus obras más conocidas no pueden ser colgados en una pared y no implican la pintura o una cámara o esculpir. Eliasson crea lo que se conoce como arte de la instalación. Esta forma de arte moderno no convencional puede describirse como el arte que los espectadores deben caminar a través o alrededor para experimentar. Arte de instalación es creado generalmente para un espacio particular, ya sea dentro de un museo o en un campo y durante un período determinado de tiempo. No puede ser propiedad de coleccionistas o museos: existe por un tiempo y luego se toma hacia abajo. No puede ser preservado para las generaciones futuras, excepto a través de palabras y fotografías. Eliasson obras hacen uso de elementos naturales, como luz, agua, fuego y madera y a menudo combina estos elementos para formar al aire libre en el interior, produciendo efectos tales como una cascada interior o arco iris. El artista ha sido mostrar sus obras al público desde mediados de la década de 1990, ganando un siguiente cada vez mayor entre los amantes del arte. Con Eliasson (2003) The Weather Project encontró su mayor audiencia, capturando la imaginación de millones. La exposición se inauguró en el Museo Tate Modern turbina Hall de Londres en octubre de 2003. En el primer mes, 600 mil visitantes asistieron; a finales de diciembre, ese número aumentó a 1 millón. Según Sebastian Smee del Telégrafo diario, Eliasson "ha creado algunas de las obras de arte más excitante, estimulante y vivos en cualquier lugar del mundo en los últimos años."

Aurora Boreal

Eliasson fue llevado adentro Copenhague, Dinamarca. Pasó su infancia en Dinamarca, regresa a Islandia, país natal de sus padres, para los veranos. El paisaje de norte fuerte de su juventud informada su sensibilidad artística, dando al artista una gran apreciación para qué Smith, C. P. de arte en América llamado "el drama cambiante de la luz natural". Eliasson asistió a la Academia real de Artes en Copenhague desde 1989 a 1995. En la Academia, estudió las formas tradicionales de crear arte, pintura, escultura, dibujo y aprendieron sobre los viejos maestros del mundo del arte. Durante ese tiempo, él también dirigió su atención al tema de los seres humanos, investigación de la neurología, el estudio del sistema nervioso y psicología de Gestalt, una forma de analizar la percepción y el comportamiento humano. "Creo que a menudo hay una discrepancia entre la experiencia de ver y el conocimiento o la expectativa de lo que estamos viendo". Obras de Eliasson incluyen fotografía y escultura, pero él es mejor conocido por sus instalaciones. Comenzando en los mid-1990s, ha participado en numerosas exposiciones en todo el mundo, con sus obras en tales museos prominentes como el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museo de arte contemporáneo en Los Ángeles y Tate Modern Londres. Ha tenido una serie de exposiciones individuales, así, en el Musée de l ' Art Moderne de la Ville de París en Francia; en el ZKM (centro para el arte y los medios de comunicación) en Karlsruhe, Alemania; y en el Kunsthaus Bregenz en Austria. Eliasson representó a Dinamarca en la Bienal de Venecia de 2003, una exposición de arte internacional prestigiosa celebrada cada dos años en Venecia, Italia. La exposición de arte es sólo una parte de la Bienal, que lleva a cabo una serie de eventos anuales que celebra el cine, danza, arquitectura, música y teatro. Eliasson ha hecho Alemania su base para gran parte de su carrera, vive en Colonia y pasando posteriormente a Berlín.

Ilusiones de imperfectos

Muchas de las obras de Eliasson tienen la calidad de una ilusión, con el artista que crea en un interior espacio fenómenos tan naturales como una niebla niebla o la luz del sol. Sin embargo, el artista se encarga que sus ilusiones no son perfectos. Eliasson siempre hace evidente el mecanismo para producir la ilusión: efecto de la bomba de agua y la manguera pinchada que crean un velo, el cableado eléctrico que alimenta las luces de su "sol". En la descripción de belleza, una instalación en la que Eliasson crea un arco iris interior, crítico Daniel Birnbaum de Artforum internacional elogió decisión el artista de no ocultar las herramientas que utiliza para crear el efecto: "no hay ningún secreto, sólo un fenómeno óptico fascinante contemplar. En lugar de ser tentados a buscar algunos aparatos con velo, el espectador se enfrenta así con la cosa misma: el hecho de que la luz y el agua en combinación producen color. " Mostrando sus elementos naturales recreados en ambientes donde estos elementos no se encuentran generalmente — tal como en una galería o en una calle ocupada de la ciudad, Eliasson anima a los espectadores a reflexionar sobre la relación entre el mundo natural y el mundo urbano y entre la naturaleza y los seres humanos. Los visitantes ver una niebla brumosa llenar una habitación en una galería experimentar esa niebla de diferente manera que si estuviera fuera. Mary Sherman del Boston Herald reconoce que, aunque es obvio que una ilusión es creada por el artista, "se intensifican los sentidos, nuestra mente se envía carreras, parece transformado el mundo, y por un breve momento, la ilusión es real." Para los trabajos de Eliasson, la audiencia siempre desempeña un papel importante, indicado en parte por su tendencia a utilizar el pronombre posesivo "sus" en muchos de sus títulos. Mientras que el artista produce el trabajo, su impacto proviene de la forma de reacciona del público. En 1996 Eliasson tuvo su primera instalación de la ciudad de Nueva York, su extraña certeza aún se conserva. Se presentó una caída de agua artificial construida dentro de la galería. Eliasson había colgado una canaleta, había pinchado muchas veces, desde el techo y bombea agua para el canal, que luego cayeron a través de numerosos orificios. Las gotas caen encendieron al destellar luces estroboscópicas, creando la ilusión de que cada gota fue momentáneamente suspendido en el aire. Your Sun Machine, creada en 1997, consistía en una habitación desnuda con un gran círculo cortado de la azotea. Durante todo el día, al menos durante días soleados, el sol brilló en a través del agujero, sus rayos viajan a través de la pared conforme avanzaba el día. El movimiento del sol durante el día constituye una parte importante de la obra; otro aspecto importante fue la conciencia del espectador, como se describe por el sitio Web de la Tate Modern: "el espectador se recordó de su posición como un objeto, situado en la tierra, girando a través del espacio alrededor del sol real."

James Turrell: Artista ligero

Como Olafur Eliasson, James Turrell se utiliza luz y el espacio, como sus herramientas para crear arte en lugar de pinceles o una cámara. Obras de Eliasson se dicen a menudo que han sido influenciados por los de Turrell, que ha recibido muchas etiquetas diferentes, incluyendo artista ambiental, tierra artista y artista ligero. Como Eliasson, Turrell estudió arte y psicología, con un especial interés en el tema de la percepción humana, las personas interpretan lo que ven o sienten. Su obra explora el concepto de luz como un objeto, un material físico, no sólo es algo que ilumina otras cosas. Con obras como Azul Gard y Danae, Turrell crean esculturas geométricas de luz. A primera vista, estas esculturas parecen tener una forma física, a ser tangible, pero un examen más detenido revela que son luz pura. Nacido el 06 de mayo de 1943, en Los Ángeles, California, Turrell ha estado exhibiendo sus obras al público desde finales de 1960, con instalaciones en importantes museos de todo el mundo. Ha ganado varios prestigiosos premios en Estados Unidos, incluyendo una beca de la Fundación MacArthur, una subvención del National Endowment for the Arts y una Beca Guggenheim, así como obteniendo numerosos premios en el extranjero. La obra más importante de su carrera es el Roden cráter, un proyecto que comenzó en la década de 1970 y que ha costado más de $ 10 millones. La fecha de terminación proyectada para el Roden cráter ha cambiado en los últimos años, de 1999 a 2004 a una cierta hora alrededor de 2006. Creado a partir de un extinto cráter volcánico en forma de cono en el desierto pintado cerca de Flagstaff, Arizona, el Roden cráter consiste en varios túneles y cámaras subterráneas con aberturas hacia el exterior. En su base tiene un diámetro de una milla, y la distancia desde la base hasta el borde es de setecientos pies. En colaboración con los astrónomos, Turrell ha creado un Observatorio de las clases, una forma de personas observar las maravillas del cielo y el juego de luz natural en varios puntos de la jornada. Como Paul Trachtman explicó en Smithsonian, "algunos de los espacios son precisamente, matemáticamente orientados para captar acontecimientos celestes raros, mientras que otros son forma de encendido para hacer puestas de sol todos los días y amaneceres extraordinario." Trachtman describió su experiencia de presenciar una puesta de sol desde dentro de una de las cámaras, llamada ojo del cráter, que tiene paredes blancas lisas que se inclinan hacia la circular, abierto el techo, haciendo el sitio aparece como un "huevo cósmico". La manera que Turrell ha iluminado el interior del ojo del cráter altera las percepciones de los visitantes del cielo nocturno, como lo explica Trachtman: "extraño, profundizan en los colores, el cielo parece descender en el cráter. Pierde su sentido ordinario de ser en algún lugar 'arriba' y termina por 'abajo aquí.' " Turrell ha realizado esfuerzos extraordinarios para convertir en realidad su visión del Roden cráter . En el momento que se haya completado, habrá pasó algo así como treinta años dedicados a este proyecto. Él bromeó a Trachtman que el precio del cráter de Roden ha tenido un elemento humano así como monetario, costándole "un par de esposas y varias relaciones". Turrell obtenido arrendamientos pastos de muchos acres de tierra que rodea el cráter y se convirtió en un ganadero, en parte como una fuente de ingresos pero sobre todo para prevenir la construcción de nuevas viviendas en los terrenos, casas que utiliza luz artificial y alterar el cielo en la noche. El tiempo, esfuerzo y dinero gastado en el Roden cráter parecen intrascendentes, sin embargo, cuando se consideran metas de Turrell para el proyecto. Espera que sobrevivirá durante miles de años, y él ha planeado con astrónomos de los espacios dentro de maravillosamente pantalla eventos celestes predicho que tendrá lugar el momento en el futuro. El ahora es mi entorno, aparece a finales de 2000 en Nueva York, compuesto por dos partes. La primera era una pequeña habitación, construida con paneles de yeso, con un piso de concreto. El vidrio había sido quitado de un tragaluz en el techo, de vez en cuando dando por resultado la lluvia recogida en el piso. Espejos habían forrado las paredes del nivel de los ojos hasta la abertura en el techo, lo que refleja el sol, cielo y nubes. Su punto de vista repetitivo, parte de la exposición misma, consistió en una tolva de madera de treinta-tres pies de largo que se extendía a través de las paredes interiores de la galería, a través de una habitación y directamente a través de una ventana al exterior. Los televidentes podrían por un extremo en forma de cuadrado para ver al aire libre, una visión que Eliasson había transformado de ordinario a "algo mágico", según lo descrito por Eleanor Heartney en arte en América: "el interior del eje fue alineado con espejos que parecen dibujar en luz y el color de fuera y fractura a lo largo de su longitud". Frances Richard de Artforum internacional se describe la exploración de conceptos aparentemente opuestos en esta instalación del artista: "estabilidad interior y exterior y reflexión, arquitectura y vacío. La tensión entre interior y exterior es un tema frecuente en la obra de Eliasson: la idea de escapar del bullicio y el confinamiento de una ciudad, cuando en medio de esa ciudad, a través de un encuentro con el mundo natural. Heartney llegó a la conclusión de, con esta instalación, "la experiencia fue sorprendente, como el mundo cotidiano se convirtió en un espacio tan desconocido como fascinante". Mientras que algunas de las obras de Eliasson pueden parecer simples en el efecto global, implican preparativos y extensos cálculos. Johanna Burton de Artforum internacional sugiere que procesos creativos del artista "se compone de partes iguales de arquitectura y la ciencia ficción y suplidos por una dosis gigantesca de matemáticas avanzadas. Su propuesta es precisa: para ayudarle con la planificación y ejecución de sus instalaciones, Eliasson emplea expertos en una variedad de campos, incluyendo arquitectura, carpintería, metalmecánica, ingeniería y diseño estructural y las matemáticas.

El proyecto de tiempo

El proyecto de tiempo, Instalación de popular 2003-2004 de Eliasson en la Tate Modern de Londres consistió en sobre todo de la versión del artista del sol y el cielo. Al caminar en la gran sala, los visitantes vieron un disco brillante gigante suspendido del techo, una representación inequívoca del sol. La luz de este "sol" brilla a través de una niebla brumosa, generada por humidificadores colocados a lo largo de la longitud del pasillo. Una mirada en el techo reveló que había sido enlucida con espejos, reflejando los numerosos visitantes se reunieron muy por debajo. Viéndolo, los visitantes podrían ver que el "sol" no era realmente circular; el artista había colgado un semicírculo de luces, que, cuando se reflejan en los espejos en el techo, daba la impresión de un círculo completo. Los cientos de espejos, aplicados de forma irregular más que perfectamente acostado, dio a los bordes superiores del "sol" una apariencia áspera, desigual, haciéndolo parecer sorprendentemente real. Para los que solo entrar en la sala, la gente ya dentro se recorta, que aparecen como figuras oscuras contra la luz brillante de color amarillo-naranja. Con The Weather Project, como con muchas de sus obras, Eliasson explora sus puntos de vista sobre la relación entre el mundo natural y la ciudad. Independientemente de cómo aislado de la naturaleza podría ser un habitante de la ciudad, algunos aspectos necesariamente se entrometen, es decir, en forma de tiempo: lluvia, viento, sol, la nieve. Con esta instalación, Eliasson crea la ilusión de la naturaleza y el tiempo en el interior, dando a los espectadores un sentido de la belleza y la tranquilidad de una niebla bañada por el sol. Pero también permitió a la gente a ver la naturaleza artificial de su creación. Los asistentes a la instalación podrían pasear por las distintas partes de la instalación, teniendo en cuenta el cableado eléctrico que alimenta la "luz" y los creación de la niebla los humidificadores. Cuando se le preguntó por Fiona Maddocks del Evening Standard que el trabajo es, Eliasson respondió, "es definitivamente ante todo sobre la gente. La gente busca en ellos mismos tanto como en el arte." La instalación provocó inusual comportamiento entre muchos visitantes, normalmente no visto en los museos. Los visitantes pasaron horas en la sala de turbinas, tirado en el piso, mirando los espejos en un intento de localizar sus reflexiones. Algunos incluso agrupan para crear formas interesantes con sus cuerpos que se reflejaría por encima. Otros tenían comidas campestres en el piso de la galería o sentaban en meditación silenciosa. Maddocks informó que "hay mucho seria besos." En opinión de Richard Dorment del Telégrafo diario, las reacciones de los visitantes ha añadido una capa de sentido y significado al trabajo: "lo que la artista comenzó, la audiencia completa. Es los visitantes que hacen inolvidable The Weather Project" .

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