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Período Heian › Historia antigua
Definición y orígenes
El Período Heian de la historia japonesa cubre 794 a 1185 CE y vio un gran florecimiento en la cultura japonesa de la literatura a la pintura. El gobierno y su administración llegaron a ser dominados por el clan Fujiwara, que finalmente fue desafiado por los clanes Minamoto y Taira. El período, llamado así por la capital Heiankyo, se cierra con la Guerra de Genpei en la que los Minamoto fueron victoriosos y su líder Yoritomo estableció el Kamakura Shogunate.
DE NARA A HEIANKYO
Durante el Período de Nara (710-794 dC) la corte imperial japonesa se vio acosada por conflictos internos motivados por la aristocracia luchando entre sí por favores y posiciones y una influencia excesiva en la política de las sectas budistas cuyos templos estaban diseminados por la capital. Eventualmente, la situación resultó en que el emperador Kammu (781-806 EC) trasladara la capital de Nara a (brevemente) Nagaokakyo y luego a Heiankyo en 794 CE para comenzar de nuevo y liberar al gobierno de la corrupción y la influencia budista. Esto marcó el comienzo del Periodo Heian que duraría hasta el siglo XII EC.
La nueva capital, Heiankyo, que significa "la capital de la paz y la tranquilidad", se estableció en un plan de cuadrícula regular.La ciudad tenía una amplia avenida central que diseccionaba los barrios este y oeste. La arquitectura siguió modelos chinos con la mayoría de los edificios para la administración pública que tienen columnas carmesíes que sostienen techos de tejas verdes. Las casas particulares eran mucho más modestas y tenían techos de paja o de corteza. La aristocracia tenía palacios con sus propios jardines cuidadosamente diseñados y un gran parque de recreo construido al sur del palacio real (Daidairi).No se permitieron templos budistas en la parte central de la ciudad y se construyeron cuartos de artesanos con talleres para artistas, trabajadores del metal y alfareros.
KYOTO PERMANECERÁ EN LA CAPITAL DE JAPÓN POR MIL AÑOS.
Ningún edificio del Período Heian sobrevive hoy en día desde la capital, excepto el Shishin-den (Audience Hall) que fue incendiado pero reconstruido fielmente y el Daigoku-den (Salón de Estado) que sufrió un destino similar y fue reconstruido en menor escala en el Heian Santuario. Desde el siglo XI se adoptó oficialmente el nombre informal de la ciudad, que significa simplemente "la ciudad capital": Kioto. Sería la capital de Japón durante mil años.
GOBIERNO DE HEIAN
Kioto era el centro de un gobierno que consistía en el emperador, sus altos ministros, un consejo de estado y ocho ministerios que, con la ayuda de una amplia burocracia, gobernaban a unas 7.000.000 de personas repartidas en 68 provincias, cada una gobernada por un gobernador regional. y dividido en ocho o nueve distritos. En el Japón más amplio, la suerte del campesinado no era tan optimista como la nobleza preocupada por la estética en la corte. La gran mayoría de la población de Japón trabajaba la tierra, ya sea para ellos o para los bienes de otros, y estaban agobiados por el bandolerismo y los impuestos excesivos. Las rebeliones como ocurrieron en Kanto bajo la dirección de Taira no Masakado entre 935 y 940 EC no fueron infrecuentes.
Modelo de Kyoto
La política de distribución de tierras públicas que se había instigado en siglos anteriores llegó a su fin en el siglo X dC, y el resultado fue que la proporción de tierras mantenidas en manos privadas aumentó gradualmente. En el siglo XII EC, el 50% de la tierra se mantenía en propiedades privadas ( shoen ) y muchos de ellos, dada la dispensa especial por favores o por razones religiosas, estaban exentos del pago de impuestos. Esta situación causaría una grave mella en las finanzas del estado. Los terratenientes ricos pudieron reclamar nuevas tierras y desarrollarlas, aumentando así su riqueza y abriendo una brecha cada vez más amplia entre los que tienen y los que no tienen. También hubo repercusiones políticas prácticas a medida que los propietarios de las grandes propiedades se alejaban más de la tierra que poseían, muchos de los cuales vivían en la corte en Heiankyo. Esto significaba que los estados eran administrados por subordinados que buscaban aumentar su propio poder, y por el contrario, la nobleza y el emperador se separaban más de la vida cotidiana. El contacto de la mayoría de los plebeyos con la autoridad central se limitó a pagarle al recaudador de impuestos local y cepillarse con la policía metropolitana, que no solo mantenía el orden público sino que también juzgaba y condenaba a los criminales.
MUCHOS ESTADOS DE FUJIWARA ACTUARÍAN COMO REGENTES PARA TRES O CUATRO EMPERADORES DURANTE SU CARRERA.
El dominio del Fujiwara no era total y no fue indiscutible. El emperador Shirakawa (1073-1087 dC) intentó afirmar su independencia de Fujiwara abdicando en 1087 EC y permitiendo que su hijo Horikawa reine bajo su supervisión. Esta estrategia de emperadores 'retirados', que aún gobernaba en efecto, se hizo conocida como 'gobierno de clausura' ( insei ) ya que el emperador usualmente permanecía a puertas cerradas en un monasterio. Agregó otra rueda a la ya compleja máquina de gobierno.
De vuelta en las provincias, surgían nuevos agentes de poder. Dejados a su suerte y alimentados por la sangre de la nobleza menor producida por el proceso de derramamiento dinástico (cuando un emperador o aristócrata tuvo demasiados hijos fueron eliminados de la línea de herencia), evolucionaron dos grupos importantes, el Minamoto (también conocido como Genji). ) y clanes de Taira (aka Heike). Con sus propios ejércitos privados de samuráis, se convirtieron en instrumentos importantes en manos de los miembros rivales de la lucha de poder interna del clan Fujiwara, que estalló en el disturbio 1159 CE Hogen y el 1160 CE Heiji Disturbance.
Batallas de la Guerra de Genpei
El Taira, liderado por Taira no Kiyomori, finalmente barrió a todos sus rivales y dominó el gobierno durante dos décadas. Sin embargo, en la Guerra de Genpei (1180-1185), el Minamoto regresó victorioso, y en el final de la guerra, la Batalla de Dannoura, el líder de Taira, Tomamori, y el joven emperador Antoku se suicidaron. El líder del clan Minamoto, Yoritomo, recibió poco después el título de shogun por parte del emperador y su gobierno marcaría el comienzo del Período Kamakura (1185-1333 CE), también conocido como el Shogunato Kamakura, cuando el gobierno japonés fue dominado por los militares.
RELIGIÓN HEIAN
En términos de religión, el budismo continuó su dominio, ayudado por monjes eruditos tan conocidos como Kukai (774-835 CE) y Saicho (767-822 CE), que fundaron las sectas budistas de Shingon y Tendai, respectivamente. Trajeron de sus visitas a China nuevas ideas, prácticas y textos, notablemente el Sutra del loto ( Hokke-kyo ) que contenía el nuevo mensaje de que había muchas formas diferentes pero igualmente válidas para la iluminación. También estaba Amida (Amitabha), el Buda del Budismo de la Tierra Pura, quien podía ayudar a sus seguidores en este difícil camino.
La difusión del budismo fue asistida por el patrocinio del gobierno, aunque el emperador desconfiaba del poder indebido del clero budista, por lo que decidió nombrar abades y confinar monjes en sus monasterios. Las sectas budistas se habían convertido en poderosas entidades políticas y aunque a los monjes se les prohibía portar armas y matarlas, podían pagarle a monjes y mercenarios novatos para luchar por ellos y ganar poder e influencia en la mezcolanza de nobles, administradores de propiedades, privados e imperiales ejércitos, emperadores y ex emperadores, piratas y clanes guerreros que plagaron el panorama político de Heian.
Tableta inscrita en Sutra
Los principios confucianos y taoístas también continuaron siendo influyentes en la administración centralizada, y las antiguas creencias sintoístas y animistas continuaron dominando, como antes, a la población en general, mientras que los templos sintoístas, como el santuario de Ise Grande, siguieron siendo importantes lugares de peregrinación. Todas estas religiones se practicaban lado a lado, muy a menudo por los mismos individuos, desde el emperador hasta el agricultor más humilde.
RELACIONES CON CHINA
Después de una embajada final en la corte de Tang en 838 CE, ya no hubo relaciones diplomáticas formales con China ya que Japón se volvió un tanto aislacionista sin necesidad de defender sus fronteras o embarcarse en una conquista territorial.Sin embargo, el comercio esporádico y los intercambios culturales continuaron con China, como antes. Las mercancías importadas de China incluían medicamentos, telas de seda trabajadas, cerámica, armas, armaduras e instrumentos musicales, mientras que Japón enviaba a cambio perlas, polvo de oro, ámbar, seda cruda y lacados dorados.
Monjes, eruditos, músicos y artistas fueron enviados para ver qué podían aprender de la cultura más avanzada de China y traer nuevas ideas sobre cualquier cosa, desde la pintura a la medicina. Los estudiantes también fueron, muchos pasaron varios años estudiando prácticas administrativas chinas y devolviendo sus conocimientos a la corte. Los libros también llegaron, un catálogo que data del año 891 CE enumera más de 1.700 títulos chinos disponibles en Japón que cubren historia, poesía, protocolos judiciales, medicina, leyes y clásicos confucianos. Aún así, a pesar de estos intercambios, la falta de misiones regulares entre los dos estados desde el siglo 10 EC significó que el Periodo Heian en general vio una disminución en la influencia de la cultura china, lo que significa que la cultura japonesa comenzó a encontrar su propio camino de desarrollo.
CULTURA HEIAN
El período Heian se destaca por sus logros culturales, al menos en la corte imperial. Estos incluyen la creación de una escritura japonesa ( kana ) con caracteres chinos, en su mayoría fonéticamente, que permitió la producción de la primera novela del mundo, el Cuento de Genji de Murasaki Shikibu (1020 CE) y varios diarios notables ( nikki ) escritos por damas de la corte, incluido The Pillow Book de Sei Shonagon que completó c. 1002 CE. Otras obras famosas de la época son el diario Izumi Shikibu, el Kagero nikki de Fujiwara no Michitsuna y el cuento de las fortunas florecientes de Akazome Emon.
Cuento de la ilustración de Genji
Sin embargo, los hombres sí escribieron poesía, y la primera antología de poemas japoneses comisionados por el rey, Kokinshu ("Colección del pasado y el presente") apareció en 905 CE. Era una colección de poemas de hombres y mujeres y fue compilada por Ki no Tsurayuki, quien dijo: "Las semillas de la poesía japonesa yacen en el corazón humano" (Ebrey, 199).
Además de literatura, el período también vio la producción de ropa especialmente fina en la corte real, usando seda y brocados chinos. Las artes visuales fueron representadas por pantallas, intrincados pergaminos de imágenes y texto ( e-maki) y caligrafía fina. La reputación de un aristócrata se construyó no solo en su posición en la corte o en la administración, sino también su apreciación de estas cosas y su capacidad para componer su propia poesía, tocar música, bailar, dominar juegos de mesa como ir y realizar hazañas de tiro con arco.
Pintores y escultores continuaron utilizando el budismo como inspiración para producir esculturas de madera (pintadas o dejados de forma natural), pinturas de eruditos, campanas doradas de bronce, esculturas de Buda talladas en la roca, espejos de bronce ornamentados y estuches lacados para sutras que ayudaron a difundir el nuevas imágenes de sectas alrededor de Japón. Tal era la demanda de arte que por primera vez surgió una clase de artistas profesionales, el trabajo que previamente había sido creado por monjes eruditos. La pintura también se convirtió en un pasatiempo de moda para la aristocracia.
Poco a poco, un enfoque más totalmente japonés amplió la gama de temas en el arte. Un estilo japonés, Yamato-e, se desarrolló particularmente en la pintura, que lo distinguió de las obras chinas. Se caracteriza por tener líneas más angulosas, el uso de colores más brillantes y mayores detalles decorativos. Se hicieron famosos los retratos reales de personalidades de la corte como los de Fujiwara Takanobu, las ilustraciones inspiradas en la literatura japonesa y los paisajes, allanando el camino para las grandes obras en el período medieval.
Este artículo fue posible gracias al generoso apoyo de la Fundación Sasakawa de Gran Bretaña.
El florero de Portland › Orígenes antiguos
Civilizaciones antiguas
El florero de Portland es una ánfora de vidrio romana con dos asas que data de entre la segunda mitad del siglo I aC y principios del siglo I EC. El jarrón tiene una decoración con efecto de camafeo que quizás representa el matrimonio de Peleus y Thetis de la mitología griega. Después de una larga historia de cambios en la propiedad, el desastre ocurrió en 1845 CE cuando el jarrón fue destrozado en el Museo Británico. Afortunadamente, desde entonces ha sido cuidadosamente restaurado para que una vez más ocupe el lugar que le corresponde entre las mejores obras maestras del arte romano.
Florero de Portland
Propiedades
El florero mide 24.5 cm de alto y 17.7 cm de ancho máximo. El jarrón se hizo soplando el vidrio oscuro de color azul cobalto cubierto con una capa de vidrio opaco de carcasa blanca. Grandes áreas del vidrio blanco fueron removidas para revelar la capa inferior de azul. Las áreas de blanco fueron dejadas y talladas en relieve para representar escenas. El estilo de la decoración ha llevado a los estudiosos a fechar la pieza en el reinado de Augusto (27 a. C. - 14 d. C.). La finura de los detalles de las escenas decorativas es comparable a las gemas romanas de corte de la más alta calidad, por lo que debe ser obra de un cortador de gemas o diatretarius de gran talento.
El jarrón de ánfora de dos asas está incompleto, ya que ha perdido su base puntiaguda y la boca del recipiente tiene un corte curiosamente irregular. La base se reparó utilizando un disco de color similar tallado en el mismo estilo y que representa a París. Aunque es notable que un objeto tan delicado haya sobrevivido desde la antigüedad, el jarrón no es único, ya que se ha encontrado un jarrón de tipo similar en Pompeya que data de mediados del siglo I dC y representa escenas de una vendimia. Sin embargo, estas vasijas cortadas en cameo son consideradas como una especie de experimento en cristalería romana, llevadas a cabo en un período limitado que abarca solo dos generaciones, por lo que casi con seguridad no se producen comúnmente.
Panorama de la escena del florero de Portland
ESCENAS DECORATIVAS
Las escenas en el jarrón se dividen en dos partes por una cabeza barbada (tal vez con cuernos), una debajo de cada mango.La primera escena tiene cuatro figuras que incluyen a un joven que sale de un santuario en el campo y usa una capa. El hombre sostiene el brazo de una mujer semidesnuda sentada en el suelo preocupada por acariciar a un animal que se asemeja a una serpiente. Encima de la mujer está la figura voladora de Eros con su habitual arco y una antorcha en su mano derecha. A la derecha hay un hombre barbudo de pie entre dos árboles y representado en un estado de ánimo contemplativo con la barbilla apoyada en la mano.
La segunda escena en el otro lado del florero muestra tres figuras sentadas en rocas con un fondo de un solo árbol. A la izquierda hay un hombre joven al lado de una columna o pilar, mientras que en el centro hay una mujer joven con el brazo levantado en la cabeza y sosteniendo una antorcha que cuelga del suelo. En el extremo derecho hay otra mujer medio vestida que sostiene un cetro o bastón en su mano izquierda.
Florero de Portland (Detalle)
El significado exacto de las escenas no se conoce con certeza, pero una especulación común es que es la boda de Thetis y Peleus de la mitología griega que se está mostrando. Otras interpretaciones incluyen los sueños de Olimpia, la madre de Alejandro Magno. Esto haría que las figuras femeninas reclinables en ambas escenas, Olimpia, Zeus, la serpiente, el padre de Alejandro, y el joven macho, abandonaran el templo como Alejandro. Otra interpretación es la historia similar de Julia Mammaea y el emperador romano Alejandro Severo. Finalmente, algunos han sugerido que la escena con Eros muestra a Marco Antonio y Cleopatra, mientras que en la escena inversa, Augusto consuela a Octavia con la diosa Venus mirando.
MÁS TARDE HISTORIA
El jarrón fue descubierto en un monumento funerario de Roma en el siglo XVI y se creía que provenía de un sarcófago de mármol que contenía los restos de Alejandro Severo, afirmación que ahora se considera errónea. El jarrón casi con certeza ha sido pulido desde su descubrimiento original y las escenas tal vez incluso reelaboradas. Después de cambiar de dueño varias veces, entre ellos la familia Barberini cuyo nombre se unió al jarrón, fue adquirido por la Duquesa de Portland en 1784 CE, un conocido coleccionista de antigüedades. El jarrón siempre ha sido famoso, pero lo fue aún más desde 1786 CE cuando Josiah Wedgwood hizo varias copias en negro y luego jarrón azul más claro. En 1810 CE, el 4to duque de Portland prestó el jarrón al British Museum de Londres para su exhibición permanente.
Florero de Portland (Detalle)
Ahora aparentemente seguro para todos los tiempos, el Florero de Portland sufrió un último giro del destino cuando, en 1845, un visitante borracho que sufría paranoia en el museo, inexplicablemente tomó una exposición de piedra esculpida y la arrojó al armario de vidrio que contenía el jarrón. El recipiente se rompió en más de 80 piezas. John Doubleday emprendió una restauración inmediata y el incidente solo sirvió para aumentar la ya considerable mística y fama del jarrón. El Museo Británico compró el jarrón en 1945 CE y desde entonces ha sido desmantelado y restaurado dos veces más, el último en 1989 CE.
LICENCIA:
Artículo basado en información obtenida de estas fuentes:con permiso del sitio web Ancient History Encyclopedia
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