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Arte Romano » Orígenes antiguos

Definición y orígenes

por Mark Cartwright
publicado el 01 de septiembre de 2017
Retrato femenino romano (Jehosua)
Los romanos controlaron un imperio tan vasto durante tanto tiempo que un resumen del arte producido en ese momento solo puede ser breve y selectivo. Quizás, sin embargo, los puntos más importantes de distinción para el arte romano son su propia diversidad, la aceptación de las tendencias artísticas pasadas y presentes de todos los rincones del imperio y la promoción del arte a tal punto que se hizo más extenso y más fácil de conseguir. que nunca antes. ¿En qué otra civilizaciónantigua habría sido posible que un antiguo esclavo hubiera encargado su busto de retrato? Los artistas romanos copiaron, imitaron e innovaron para producir arte a gran escala, a veces de calidad comprometedora pero en otras ocasiones excediendo con creces la destreza de sus predecesores. Cualquier material era un juego justo para convertirlo en objetos de arte. Grabar eventos históricos sin el desorden del simbolismo y la metáfora mitológica se convirtió en una obsesión.Inmortalizar a un cliente privado individual en el arte era una comisión de artista común. Pintura destinada a capturar fielmente paisajes, paisajes urbanos y los temas más triviales de la vida cotidiana. El realismo se convirtió en el ideal y el cultivo de un conocimiento y apreciación del arte en sí mismo se convirtió en un objetivo digno. Estos son los logros del arte romano.

ARTE PARA TODOS: LA CONTRIBUCIÓN DE ROMA

El arte romano ha sufrido una especie de crisis de reputación desde el redescubrimiento y la apreciación del arte griegoantiguo desde el siglo XVII en adelante. Cuando los críticos también se dieron cuenta de que muchas de las mejores piezas romanas eran de hecho copias o al menos inspiradas por originales griegos más antiguos y perdidos, la apreciación del arte romano, que había florecido junto con todas las cosas romanas en los períodos medieval y renacentista, comenzó para disminuir. Otro problema con el arte romano es la definición misma de lo que realmente es. A diferencia del arte griego, la vasta geografía del imperio romano dio lugar a enfoques muy diversos del arte según la ubicación. Aunque Roma siguió siendo durante mucho tiempo el centro de atención, había varios centros importantes de producción de arte por derecho propio que seguían sus propias tendencias y gustos particulares, especialmente en Alejandría, Antioquía y Atenas. Como consecuencia, algunos críticos incluso argumentaron que no existía el arte "romano".

POMPEYA, EN PARTICULAR, OFRECE UNA VISIÓN RARA DE CÓMO SE UTILIZARON, COMBINARON Y DISFRUTARON LAS OBRAS DE ROMAN.

En tiempos más recientes, una visión más equilibrada del arte romano y una más amplia provista por los éxitos de la arqueología han asegurado que el arte de los romanos ha sido reevaluado y su contribución al arte occidental en general ha sido más ampliamente reconocida. Incluso aquellos que sostenían la opinión de que el arte griego clásico era el cenit de la actividad artística en el oeste o que los romanos simplemente fusionaban lo mejor del arte griego y etrusco tendrían que admitir que el arte romano es algo si no ecléctico. Heredando el mundo helenístico forjado por las conquistas de Alejandro Magno, con un imperio que cubre un espectro enormemente diverso de culturas y pueblos, su propia apreciación del pasado e ideas claras sobre la mejor manera de conmemorar los eventos y la gente, los romanos produjeron arte en una amplia gama de formas. Seal-corte, joyería, cristalería, mosaicos, cerámica, frescos, estatuas, arquitectura monumental, e incluso epigrafía y monedas fueron utilizados para embellecer el mundo romano, así como transmitir el significado de la destreza militar de las modas en la estética.
Botella de Perfume Romana

Botella de Perfume Romana

FORMAS CLAVE DE ARTE

Escultura romana
La escultura romana mezcló la perfección idealizada de la escultura griega clásica anterior con una mayor aspiración por el realismo y se mezcló en los estilos predominantes en el arte oriental. Los escultores romanos también, con sus copias populares de las obras maestras griegas anteriores, conservaron para la posteridad obras invaluables que de otro modo habrían sido completamente perdidas para el arte mundial.
Durmiendo Hermafrodita

Durmiendo Hermafrodita

Los romanos preferían el bronce y el mármol por encima de todo para su mejor trabajo. Sin embargo, dado que el metal siempre ha tenido una gran demanda de reutilización, la mayoría de los ejemplos sobrevivientes de la escultura romana son de mármol. El gusto romano por la escultura griega y helenística significaba que una vez que se había agotado el suministro de piezas originales, los escultores tenían que hacer copias, y éstas podían ser de calidad variable según las habilidades del escultor. De hecho, había una escuela específicamente para copiar célebres originales griegos en Atenas y Roma. Los escultores romanos también produjeron copias miniaturizadas de originales griegos, a menudo en bronce, que fueron coleccionados por los amantes del arte y exhibidos en gabinetes en el hogar.

LOS BUSTROS DE RETRATOS PRIVADOS A VECES PRESENTAN AL SUJETO COMO VIEJO, ARRUGADO, ESCAMOTEO O FLABBY; EN CORTO, ESTOS RETRATOS CUENTAN LA VERDAD.

La escultura romana, sin embargo, comenzó a buscar nuevas vías de expresión artística, alejándose de sus raíces etruscasy griegas, y, a mediados del siglo I EC, los artistas romanos estaban tratando de capturar y crear efectos ópticos de luz y sombra para mayor realismo El realismo en la escultura de retrato romano y el arte funerario bien puede haberse desarrollado a partir de la tradición de mantener máscaras fúnebres de cera realistas de miembros de la familia fallecidos en el hogar ancestral. Transferidos a la piedra, tenemos muchos ejemplos de bustos de retratos privados que a veces presentan el tema como viejo, arrugado, con cicatrices o flácido; en resumen, estos retratos dicen la verdad. Por la antigüedad posterior, hubo incluso un movimiento hacia el impresionismo usando trucos de luz y formas abstractas. La escultura también se hizo más monumental con estatuas enormes de emperadores, dioses y héroes, como la enorme estatua de bronce de Marco Aurelio a caballo ahora en el Museo Capitolino de Roma. Hacia el final del Imperio, la escultura de figuras tendía a carecer de proporción, especialmente las cabezas se agrandaban, y las figuras se presentaban con mayor frecuencia más planas y desde el frente, mostrando la influencia del arte oriental.
Busto de retrato romano

Busto de retrato romano

La escultura en edificios y altares romanos podría ser meramente decorativa o tener un propósito más político. Por ejemplo, en los arcos triunfales, la escultura arquitectónica capturó en detalle los eventos clave de la campaña, lo que reforzó el mensaje de que el emperador era un agente victorioso y civilizador en todo el mundo conocido. Un ejemplo típico es el Arco de Constantino en Roma (hacia el año 315 dC) que también muestra a "bárbaros" derrotados y esclavizados para llevar a casa el mensaje de la superioridad de Roma. Tal representación de personas reales y figuras históricas específicas en la escultura arquitectónica contrasta marcadamente con la escultura griega donde las grandes victorias militares solían presentarse en metáforas, usando figuras de la mitología griega como amazonas y centauros como en el Partenón. Los altares también podrían usarse para presentar individuos importantes bajo una luz favorable. El altar más famoso de todos es el Ara Pacis de Augusto (completado el 9 AEC) en Roma, un enorme bloque de mampostería que representa a espectadores y participantes en una procesión religiosa. Parece como si las figuras hubieran sido capturadas en un solo momento como en una fotografía, un niño se pone una toga, la hermana de Augusto le dice a dos charlatanes que se callen, y así sucesivamente.
Pinturas de la pared romana
Los interiores de los edificios romanos de todas las descripciones fueron muy frecuentemente decorados suntuosamente usando colores y diseños audaces. Pinturas murales, frescos y el uso de estuco para crear efectos de relieve se utilizaron comúnmente en el siglo I aC en edificios públicos, casas particulares, templos, tumbas e incluso estructuras militares en todo el mundo romano. Los diseños pueden variar desde detalles realistas e intrincados hasta representaciones altamente impresionistas que con frecuencia cubren todo el espacio de pared disponible, incluido el techo.
Fresco, la Villa de Livia, Roma

Fresco, la Villa de Livia, Roma

Los pintores de pared romanos (o quizás sus clientes) preferían los colores naturales de la tierra, como los tonos más oscuros de rojos, amarillos y marrones. Los pigmentos azules y negros también fueron populares para los diseños más simples, pero la evidencia de un taller de pintura de Pompeya ilustra que una amplia gama de tonos de color estaba disponible. Los sujetos podrían incluir retratos, escenas de la mitología, arquitectura con trompe- l ' oeil, flora, fauna e incluso jardines enteros, paisajes y paisajes urbanos para crear espectaculares panoramas de 360 ° que transportan al espectador de los confines de una habitación pequeña al mundo sin límites. de la imaginación del pintor Un ejemplo sobresaliente es la Casa de Livia del siglo I aC en la colina del Palatino en Roma, que incluye un panorama de 360 ° de un jardín de aspecto impresionista. La escena corre alrededor de una habitación e ignora por completo las esquinas. Otro ejemplo espléndido es la villa privada del siglo I EC conocida como la Casa de los Vettii en Pompeya.
A medida que se desarrollaba la forma de arte, las escenas únicas a gran escala que presentaban figuras más grandes que la vida se hicieron más comunes. En el siglo III dC, una de las mejores fuentes de pintura mural proviene de las catacumbas cristianas donde se pintaron escenas tanto del Antiguo como del Nuevo Testamento.
Mosaicos Romanos
Los mosaicos romanos eran una característica común de las casas privadas y edificios públicos en todo el imperio desde África hasta Antioquía. Los mosaicos, también conocidos como opus tessellatum, se confeccionaron con pequeños cuadrados de mármol, azulejo, vidrio, cerámica, piedra o conchas de color negro, blanco y coloreado. Típicamente, cada pieza individual medía entre 0.5 y 1.5 cm, pero los detalles finos, especialmente en el panel central ( emblemata ) a menudo se representaban utilizando piezas incluso más pequeñas de tan solo 1 mm de tamaño. Los diseños empleaban un amplio espectro de colores con lechada coloreada para unir las teselas circundantes. Este tipo particular de mosaico que utilizaba colores y sombras sofisticadas para crear un efecto similar a una pintura se conoce como opus vermiculatum, y uno de sus mayores artesanos fue Sorus of Pergamon (150-100 a. C.) cuyo trabajo, especialmente su mosaico Drinking Doves, fue copiado durante siglos después.
Mosaico de una gitana

Mosaico de una gitana

Los temas populares incluyeron escenas de mitología, concursos de gladiadores, deportes, agricultura, caza, comida, flora y fauna, y en ocasiones incluso capturaron a los propios romanos en retratos detallados y realistas. Uno de los mosaicos romanos más famosos hoy en día es uno de la Casa del Fauno, Pompeya, que representa a Alejandro Magno montando a Bucéfalo y enfrentando a Darío III en su carro de guerra. No solo pisos sino también bóvedas, columnas y fuentes fueron decoradas con diseños de mosaicos también.
Los artistas de mosaicos romanos desarrollaron sus propios estilos y se formaron escuelas de producción en todo el imperio que cultivaron sus preferencias particulares: escenas de caza a gran escala e intentos de perspectiva en las provincias africanas, vegetación impresionista y un observador en primer plano en los mosaicos de Antioquía o la preferencia europea por paneles de figuras, por ejemplo. El estilo romano dominante (pero no exclusivo) en Italia usaba solo teselas en blanco y negro, un sabor que sobrevivió hasta bien entrado el siglo III dC y que con más frecuencia se usaba para representar motivos marinos, especialmente cuando se usaba para baños romanos. Con el tiempo, los mosaicos se volvieron cada vez más realistas en su representación de figuras humanas, y los retratos precisos y detallados se volvieron más comunes. Mientras tanto, en la parte oriental del imperio y especialmente en Antioquía, en el siglo IV EC se extendieron los mosaicos que usaban motivos bidimensionales y repetidos para crear un efecto de 'alfombra', un estilo que influiría fuertemente en las iglesias cristianas y judías posteriores. sinagogas.
Artes menores
Las artes menores de la antigua Roma eran amplias y variadas, ilustrando en muchos casos el amor romano de los materiales preciosos finamente trabajados con detalles y diseños a menudo miniaturizados. Incluían joyas de todo tipo, pequeños bustos de retratos dorados, platería como espejos, tazas, platos, figuritas, etc., talla de gemas y grabado, camafeos sardónicos, sellos, vasijas y ornamentos en bronce tallado, incrustados, dorados o esmaltados vasijas, marfiles tallados y grabados, cerámica finamente decorada, placas para agregar a los muebles, elementos de uniformes y armas militares, medallones, monedas, lámparas de aceite de terracota, tela bordada de púrpura de Tiro, y libros ilustrados. Los temas de decoración incluían la familia imperial, los individuos privados, la mitología, la naturaleza y motivos estándar tales como las formas geométricas, las hojas de acanto, las enredaderas, los meandros, las rosetas y las esvásticas. Las obras a menudo están firmadas por el artesano, que puede ser extranjero o romano.
Pendiente de filigrana de oro, Herakleia

Pendiente de filigrana de oro, Herakleia

Los elementos de plata y gemas talladas fueron especialmente apreciados y recogidos con frecuencia por aquellos romanos que podían pagarlos. Guardados en el hogar, sin duda, se les habría mostrado que admiraban a los visitantes y los usaban como piezas de conversación. El amor de los romanos por tallas minuciosamente detalladas y gemas contrasta con la visión tradicional de que el arte romano estaba preocupado por todo lo que era masivo y poco voluminoso. Los anillos de sello, un símbolo de orgullo familiar y un importante método de firma junto con piedras de foca, fueron, como gemas, talladas usando pequeños taladros con una punta de diamante o rueda de vuelta que se rotaron usando un arco horizontal en el eje. La cornalina y el ónice parecen haber sido el material de elección para artículos más funcionales, pero los zafiros y la aguamarina se encuentran entre las gemas más preciosas que los romanos importaron de lugares tan remotos como la India.
Los joyeros romanos fueron especialmente hábiles en su oficio. Aprendiendo de aquellos que habían ido antes, emplearon toda la gama de habilidades de metalistería, como dorado, granulación, repujado, incrustaciones, trabajo abierto, etc. Anillos, collares, pulseras, broches, hebillas, pendientes, colgantes, pulseras para el tobillo y redecillas para el cabello todos fueron producidos en metales preciosos, a menudo con detalles extraordinarios y artesanía. Con el paso del tiempo, las joyas generalmente se hicieron más pesadas y llamativas, y de ninguna manera se limitaron al vestido de las mujeres.

LEGADO

En muchos sentidos, los romanos continuaron y perpetuaron las artes de civilizaciones anteriores, pero como resume aquí el historiador de arte Martin Henig, sus esfuerzos artísticos llegaron a mucho más que eso:
El logro romano... desmiente totalmente la reputación filistea que se ha atribuido popularmente a la antigua Roma. Al heredar las tradiciones griegas, los artesanos romanos continuaron innovando, y su trabajo nunca deja de sorprendernos por su delicadeza de forma. (Henig, 165)
Las contribuciones del arte romano al desarrollo general del arte occidental incluyen la determinación de registrar eventos históricos reales; pinturas murales en diferentes estilos que capturaron la arquitectura del día, las vistas naturales o la naturaleza muerta, incluidas las personas y los objetos comunes que rara vez se representaban anteriormente en el arte; y retrato realista de ciudadanos humildes. Ninguno de estos era completamente nuevo en el arte, pero los romanos, como en tantos otros campos, llevaron las posibilidades de una idea a sus límites y más allá.
Fresco, Pompeya

Fresco, Pompeya

Hacia el final de la época romana, las nuevas ideas en el arte se desarrollaron y seguirían haciéndolo, pero el arte romano tendría un efecto duradero en todos los que lo siguieron, no menos en el arte cristiano medieval y en los dibujos sobre manuscritos. Sin embargo, tal vez su mayor contribución al arte mundial fue el fomento de la idea de que la apreciación del arte por sí misma era algo bueno y que poseer objetos de arte o incluso una colección era una verdadera insignia de la sofisticación cultural. Además, incluso para aquellos que no podían pagar su propio arte, había la disposición de galerías de arte públicas. El arte ya no era el dominio exclusivo de los ricos, el arte era para cualquiera y para todos. Los romanos, como ninguna otra cultura antes que ellos, fueron campeones del arte como un medio popular, asequible y accesible para expresar y comunicar el espíritu humano.

Mosaicos romanos › Historia antigua

Civilizaciones antiguas

por Mark Cartwright
publicado el 14 de junio de 2013
Los mosaicos romanos eran una característica común de las casas privadas y edificios públicos en todo el imperio desde África hasta Antioquía. Los mosaicos no solo son bellas obras de arte en sí mismas, sino que también son un registro invaluable de artículos cotidianos como ropa, comida, herramientas, armas, flora y fauna. También revelan mucho sobre las actividades romanas, como los concursos de gladiadores, los deportes, la agricultura, la caza y, a veces incluso capturan a los propios romanos en retratos detallados y realistas.
Mosaico romano

Mosaico romano

TÉCNICA

Los mosaicos, también conocidos como opus tesellatum, se hacían con pequeños cuadrados negros, blancos y de colores que normalmente medían entre 0,5 y 1,5 cm, pero los detalles finos a menudo se representaban utilizando piezas incluso más pequeñas de tan solo 1 mm de tamaño. Estos cuadrados ( tesserae o tessellae ) se cortaron de materiales tales como mármol, azulejo, vidrio, smalto (pasta de vidrio), cerámica, piedra e incluso conchas. Primero se preparó una base con mortero fresco y las teselas se colocaron lo más juntas posible con cualquier espacio y luego se rellenaron con mortero líquido en un proceso conocido como rejuntado. El conjunto fue luego limpiado y pulido.

ORÍGENES E INFLUENCIAS

En la Edad de Bronce se utilizó el suelo con guijarros pequeños, tanto en la civilización minoica basada en Creta como en la civilización micénica en la Grecia continental. La misma idea, pero los patrones de reproducción se utilizó en el Cercano Oriente en el siglo 8 aC. En Grecia, el primer suelo de guijarros que intentó diseños data del siglo V aC con ejemplos en Corinto y Olinto. Estos fueron generalmente en dos tonos con diseños geométricos claros y figuras simples sobre un fondo oscuro. A finales del siglo IV, se usaban los colores del BCE y se han encontrado muchos ejemplos excelentes en Pella, en Macedonia. Estos mosaicos a menudo se reforzaban al incrustar tiras de terracota o plomo, a menudo utilizadas para marcar contornos. De hecho, no fue hasta la época helenística en el siglo III a. C. que los mosaicos realmente despegaron como una forma de arte y los paneles detallados que usaban teselas en lugar de guijarros comenzaron a incorporarse en los pisos estampados. Muchos de estos mosaicos intentaron copiar pinturas murales contemporáneas.
Mosaico de piso romano

Mosaico de piso romano

A medida que los mosaicos evolucionaron en el siglo II aC se usaron teselas cortadas más pequeñas y más precisamente, a veces tan pequeñas como 4 mm o menos, y los diseños emplearon un amplio espectro de colores con lechada coloreada para unir las teselas circundantes. Este tipo particular de mosaico que utilizaba colores y sombras sofisticadas para crear un efecto similar a una pintura se conoce como opus vermiculatum y uno de sus mayores artesanos fue Sorus of Pergamon(150-100 a. C.) cuyo trabajo, especialmente su mosaico Drinking Doves, muy copiado durante siglos después. Además de Pergamon, se han encontrado ejemplos destacados de opus vermiculatum helenístico en Alejandría y Delos en las Cícladas. Debido a la mano de obra necesaria para producir estas piezas, a menudo se colocaron pequeños mosaicos de 40 x 40 cm sobre una bandeja de mármol o una bandeja con borde en un taller especializado. Estas piezas eran conocidas como emblemas ya que a menudo se usaban como piezas centrales para pavimentos con diseños más simples. Tan valiosas fueron estas obras de arte que a menudo fueron eliminadas para su reutilización en otros lugares y transmitidas de generación en generación dentro de las familias. Varios emblemata podrían componer un solo mosaico y, poco a poco, los emblemascomenzaron a parecerse más a sus alrededores cuando se los conoce como paneles.

EVOLUCIÓN EN EL DISEÑO

Con un tema como los mosaicos donde hay dificultades para las citas, la enorme variación en la calidad artística, el gusto del público y las convenciones regionales, es problemático describir una evolución estrictamente lineal de la forma de arte. Sin embargo, se pueden notar algunos puntos importantes de cambio y diferencia regional.
Alejandro el Grande

Alejandro el Grande

Inicialmente, los romanos no divergieron de los fundamentos del enfoque helenístico de los mosaicos y, de hecho, se vieron fuertemente influenciados en términos de tema (motivos marinos y escenas de la mitología griega ) y los propios artistas, ya que muchos mosaicos romanos firmados a menudo llevan nombres, lo que demuestra que incluso en el mundo romano el diseño del mosaico todavía estaba dominado por los griegos. Uno de los más famosos es el mosaico de Alexander, que era una copia de una pintura original helenística de Philoxenus o Aristeides of Thebes. El mosaico es de la Casa del Fauno, Pompeya, y representa a Alejandro Magno montando Bucéfalo y enfrentando a Darío III en su carro de guerra en la batalla de Issus (333 a. C.).
Mosaico romano

Mosaico romano

Los mosaicos romanos a menudo copiaban anteriores colores, sin embargo, los romanos desarrollaron sus propios estilos y escuelas de producción se desarrollaron en todo el imperio que cultivaron sus propias preferencias particulares: escenas de caza a gran escala e intentos de perspectiva en las provincias africanas, vegetación impresionista y un primer plano observador en los mosaicos de Antioquía o la preferencia europea por paneles de figuras, por ejemplo.
Mosaico romano

Mosaico romano

El estilo romano dominante (pero no exclusivo) en Italia usaba solo teselas en blanco y negro, un sabor que sobrevivió hasta bien entrado el siglo III dC y que con mayor frecuencia se usaba para representar motivos marinos, especialmente cuando se usaba para baños romanos (los del primer piso de las Termas de Caracalla en Roma son un excelente ejemplo). También hubo una preferencia por más representaciones bidimensionales y un énfasis en diseños geométricos. Cª. 115 CE en las Termas de Buticosus en Ostia hay el primer ejemplo de una figura humana en mosaico y en el siglo II las figuras silueteadas CE se hicieron comunes. Con el tiempo, los mosaicos se volvieron cada vez más realistas en su representación de figuras humanas y los retratos precisos y detallados se volvieron más comunes. Mientras tanto, en la parte oriental del imperio y especialmente en Antioquía, en el siglo IV EC se extendieron los mosaicos que usaban motivos bidimensionales y repetidos para crear un efecto de 'alfombra', un estilo que influiría fuertemente en las iglesias cristianas y judías posteriores. sinagogas.
Mosaico geométrico romano

Mosaico geométrico romano

OTROS DISEÑOS DE PISOS

Los pisos también se pueden colocar con piezas más grandes para crear diseños en una escala más grande. Los suelos de Opus signinum usaban mortero de color agregado (generalmente rojo) con teselas blancas colocadas para crear patrones amplios o incluso dispersos aleatoriamente. Las cruces con cinco teselas rojas y una tesela central en negro fueron un motivo muy común en Italia en el siglo I a. C. y continuaron en el siglo I dC, pero más típicamente utilizando solo fichas negras.
Opus sectile era un segundo tipo de piso que utilizaba grandes losas de piedra o mármol talladas en formas particulares.Opus sectile era otra técnica de origen helenístico pero los romanos también expandieron la técnica a la decoración de la pared. Utilizado en muchos edificios públicos, no fue hasta el siglo IV EC que se hizo más común en villas privadas y, bajo influencia egipcia, comenzó a usar vidrio opaco como material primario.
Suelo Opus Sectile

Suelo Opus Sectile

OTROS USOS DE MOSAICO

Los mosaicos no estaban de ninguna manera limitados al piso. Bóvedas, columnas y fuentes a menudo fueron decoradas con mosaico ( opus musivum ), nuevamente, especialmente en baños. El primer ejemplo de este uso data de mediados del siglo I aC en el ninfeo de la "Villa de Cicero " en Formiae donde se usaron virutas de mármol, piedra pómez y conchas. En otros lugares, también se agregaron pedazos de mármol y vidrio que daban el efecto de una gruta natural. En el siglo I dC, se usaron paneles de mosaico más detallados para embellecer Nymphaea y fuentes. En Pompeya y Herculanum, la técnica también se usó para cubrir nichos, paredes y frontones, y una vez más estos murales a menudo imitaban pinturas originales.Las paredes y las bóvedas de los baños romanos imperiales posteriores también se decoraron en mosaico con vidrio que actuaba como un reflejo de la luz del sol que golpeaba las piscinas y creaba un efecto brillante. Los suelos de las piscinas a menudo estaban decorados con mosaicos, al igual que los suelos de mausoleos, a veces incluso incorporando un retrato del difunto. Una vez más, el uso romano de los mosaicos para decorar el espacio de la pared y las bóvedas influiría en los decoradores de interiores de las iglesias cristianas del siglo IV EC.

LICENCIA:

Artículo basado en información obtenida de estas fuentes:
con permiso del sitio web Ancient History Encyclopedia
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