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Definición y orígenes
Uno de los dioses griegos más antiguos, Demeter (nombre romano : Ceres) garantizó la fertilidad de la tierra y protegió la agricultura y la vegetación. Esta estrecha conexión con la tierra fue heredada de su madre Rea, y sin duda ella era una reencarnación de diosas madre-tierra locales, comúnmente veneradas en las comunidades rurales.
FAMILIA DE DEMETER
Hija de Kronos y Rea, hermana de Zeus, Poseidón, Hades, Hera y Hestia, Deméter fue la madre de Perséfone e Iacchus (ambos con Zeus) y Plutón, el dios de la riqueza (con Iasión, que posteriormente fue asesinado por un rayo de un celoso Zeus). También adoptó a Triptolemo, el príncipe eleusiano, que le dio a la raza humana los dones del arado y el conocimiento de la agricultura. Demeter también fue perseguido por Poseidón y para escapar de sus atenciones, se transformó en una yegua; sin embargo, Poseidón también se transformó en un caballo y su descendencia resultante fue Arion, el caballo alado montado por Hércules.
Homero en La Ilíada describe a la diosa como "de cabellos dorados", y Hesíodo en su Teogonía y Obras y Días, la describe como "Deméter generoso", "bien adornado con guirnaldas", "santificado" y "reverendo".
DEMETER Y PERSEPHONE FUERON EL SUJETO DE UNA CULTURA MAYOR EN EL ANTIGUO MUNDO GRIEGO.
DEMETER Y PERSEPHONE
Deméter y Perséfone (también conocido como Kore en griego y Proserpina por los romanos) fueron objeto de un gran culto en el mundo griego antiguo. Según la mitología, Hades, dios del inframundo, se enamoró de Perséfone tan pronto como la vio y se la llevó en su carro para vivir con él en el Hades. En algunos casos, Zeus había dado su consentimiento para el secuestro, ya que el lugar del crimen se ubicaba tradicionalmente en Sicilia (famosa por su fertilidad) o en Asia. Deméter buscó en la tierra a su hija perdida y aunque Helios (o Hermes ) le contó sobre el destino de su hija, ella, sin embargo, continuó sus andanzas hasta que finalmente llegó a Eleusis. Aquí, disfrazada de anciana, la diosa se preocupaba por Demophon (o Triptolemo), el único hijo de Metaneira, la esposa de Keleos, rey de Eleusis. Para recompensar a la familia por su bondad, Demeter se dispuso a inmortalizar a Demophon colocándolo en el fuego todas las noches. Sin embargo, cuando Metaneira vio esto, levantó una alarma. En respuesta, Demeter reveló su verdadera identidad y exigió que se construyera un templo en su honor. Este fue el comienzo del célebre santuario de Eleusis.
Demeter y Perséfone
Una vez que el templo se completó, Demeter se retiró del mundo y vivió dentro de él; al mismo tiempo, creó una gran sequía para convencer a los otros dioses de liberar a Perséfone de Hades. A medida que la sequía reclamaba cada vez más víctimas, Zeus finalmente convenció a Hades para que liberara a su prometida. Sin embargo, antes de entregarla, el astuto Hades puso un grano de granada en la boca de la niña, sabiendo que su sabor divino la obligaría a volver con él. En otras versiones del mito, Persephone podría haber sido liberada si no hubiera comido nada en el inframundo durante su cautiverio, pero en el último momento, Hades le dio una semilla de granada. Finalmente, como un compromiso, se decidió que Persephone sería liberada pero que tendría que regresar a Hades durante un tercio del año (o en otras cuentas a la mitad).
La historia de Deméter y Perséfone fue tal vez un símbolo de las estaciones cambiantes y el cambio perenne de la vida a la muerte, a la vida una vez más, o en otras palabras, los cambios de verano a invierno y el regreso de la vida en primavera. El ciclo se convirtió en uno de los rituales de los sagrados misterios eleusinos; de hecho, los símbolos del culto eran mazorcas de maíz y una antorcha, un símbolo de la búsqueda de Perséfone por Deméter y un recordatorio de que los rituales se llevaban a cabo de noche. Como todos los iniciados estaban obligados por un juramento sagrado a no revelar los detalles de los misterios, hasta el día de hoy han permanecido solo eso, un misterio.
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El santuario más importante para Deméter, entonces, fue en Eleusis en Ática, que tenía orígenes religiosos y monumentos que datan de la civilización micénica del siglo 15 aC. Eleusis se convirtió en un sitio verdaderamente panhelénico bajo el dictador Peisistratus y continuó siendo visitado en tiempos de los romanos. Desde el siglo 8 aC había también un santuario y templo a Deméter en Naxos, en el siglo IV aC se construyó un templo en su honor en Dion, y Homero menciona que la diosa tenía un precinto que llevaba su nombre en Pyrasos.
DEMETER EN EL ARTE
Deméter rara vez aparece en el arte antes del siglo sexto antes de Cristo y luego usualmente aparece con Perséfone; a menudo ambos usan coronas y sostienen una antorcha, un cetro o tallos de grano. Demeter a veces también está presente en escenas que representan el nacimiento de Atenea.
Teatro griego antiguo » Orígenes antiguos
Definición y orígenes
El teatro griego comenzó en el siglo VI aC en Atenas con la representación de obras de tragedia en festivales religiosos.Estos, a su vez, inspiraron el género de las comedias griegas. Los dos tipos de drama griego serían muy populares y las representaciones se extenderían por todo el Mediterráneo e influirían en el teatro helenístico y romano. Así, las obras de dramaturgos tan grandes como Sófocles y Aristófanes formaron la base sobre la que se basa todo el teatro moderno.
LOS ORÍGENES DE LA TRAGEDIA
Los orígenes exactos de la tragedia ( tragōida ) se debaten entre los estudiosos. Algunos han relacionado el surgimiento del género con una forma de arte anterior, la ejecución lírica de la poesía épica. Otros sugieren un fuerte vínculo con los rituales realizados en el culto a Dionisio, como el sacrificio de cabras, un ritual de canciones llamado tragodia y el uso de máscaras.De hecho, Dionysos se hizo conocido como el dios del teatro y tal vez haya otra conexión: los ritos de bebida que provocaron que los fieles perdieran el control total de sus emociones y de hecho se convirtieran en otra persona, al igual que los actores ( hupokritai ) esperan hacer al actuar. La música y la danza del ritual dionisíaco fueron más evidentes en el papel del coro y la música proporcionada por un jugador de aulos, pero también se preservaron los elementos rítmicos en el uso del primer tetrameter trocaico y luego el trímetro yámbico en la entrega de las palabras habladas.
UNA TRAGEDIA JUEGA
Las obras teatrales se representaron en un teatro al aire libre ( theatron ) con una acústica maravillosa y aparentemente abiertas a toda la población masculina (se impugna la presencia de mujeres). Desde mediados del siglo V a. C., la entrada fue gratuita. La trama de una tragedia casi siempre se inspiró en episodios de la mitología griega, que debemos recordar que a menudo formaban parte de la religión griega. Como consecuencia de este tema tan serio, que a menudo se ocupaba de los errores y los defectos morales y trágicos, no se permitía la violencia en el escenario, y la muerte de un personaje tenía que escucharse fuera del escenario y no verse. Del mismo modo, al menos en las primeras etapas del género, el poeta no podía hacer comentarios o declaraciones políticas a través de su obra.
DEBIDO AL NÚMERO RESTRINGIDO DE ACTORES, CADA ACTOR TUVO QUE LLEVAR A CABO MÚLTIPLES ROLES DONDE EL USO DE MÁSCARAS, TRAJES, VOZ Y GESTO SE VOLVIERON EXTREMADAMENTE IMPORTANTES.
Las primeras tragedias solo tenían un actor que se presentaba disfrazado y usaba una máscara, lo que le permitía hacerse pasar por dioses. Aquí podemos ver quizás el vínculo con el ritual religioso anterior en el que los procedimientos podrían haber sido llevados a cabo por un sacerdote. Más tarde, el actor solía hablar con el líder del coro, un grupo de hasta 15 actores (todos hombres) que cantaban y bailaban pero no hablaban. Esta innovación se acredita a Thespis c. 520 BCE (origen de la palabra thespian). El actor también cambió de vestuario durante la presentación (utilizando una pequeña tienda de campaña detrás del escenario, el skēne, que más tarde se convertiría en una fachada monumental) y así dividir la obra en episodios distintos. Más tarde, estos se convertirían en interludios musicales. Eventualmente, a tres actores se les permitió subir al escenario, pero no más: una limitación que permitía la igualdad entre los poetas en la competencia. Sin embargo, una obra de teatro podría tener tantos intérpretes que no hablan como se requiere, de modo que los juegos con mayor respaldo financiero podrían producir una producción más espectacular. Debido a la cantidad restringida de actores, cada intérprete tuvo que asumir múltiples roles donde el uso de máscaras, disfraces, voz y gestos se volvió extremadamente importante.
COMPETENCIA Y JUEGOS DE JUGAR CELEBRABLES
La competencia más famosa para la representación de la tragedia fue como parte del festival de primavera de Dionysos Eleuthereus o la Ciudad Dionysia en Atenas. El arconte, un funcionario de alto rango de la ciudad, decidió qué obras se representarían en competencia y qué ciudadanos actuarían como chorēgoi y tendrían el honor de financiar su producción mientras el estado pagaba al poeta y a los actores principales. Cada poeta seleccionado presentaría tres tragedias y una obra de sátiro, una especie de parodia corta sobre un tema de la mitología con un coro de sátiros, los salvajes seguidores de Dionisio. Las jugadas fueron juzgadas en el día por un panel, y el premio para el ganador de tales competiciones, además del honor y el prestigio, era a menudo un caldero de trípode de bronce. Desde 449 a. C. también hubo premios para los actores principales ( prōtagōnistēs ).
Teatro de Dionysos Eleuthereus, Atenas
Los dramaturgos que escribían regularmente obras de teatro en la competencia se hicieron famosos, y los tres más exitosos fueron Esquilo (c.525 - c.46 aC), Sófocles (c.496-406 aC) y Eurípides (c.474-407 aC). Aeschylus era conocido por su innovación, añadiendo un segundo actor y más diálogo, e incluso creando secuelas. Él describió su trabajo como 'bocados de la fiesta de Homero ' (Burn 206). Sófocles fue extremadamente popular y agregó un tercer actor a la actuación, así como escenarios pintados. Eurípides fue celebrado por sus hábiles diálogos, realismo y la costumbre de plantear preguntas incómodas a la audiencia con su sugerente tratamiento de temas comunes. Las obras de teatro de estos tres fueron repetidas e incluso copiadas en guiones para la publicación y el estudio "en masa" como parte de la educación de todos los niños.
COMEDIA GRIEGA - ORÍGENES
Los orígenes precisos de las comedias griegas se pierden en las brumas de la prehistoria, pero la actividad de los hombres vestirse e imitar a otros seguramente se remonta mucho antes que los registros escritos. Los primeros indicios de tal actividad en el mundo griego provienen de la alfarería, donde la decoración en el siglo VI aC con frecuencia representaba a actores disfrazados de caballos, sátiros y bailarines con trajes exagerados. Otra de las primeras fuentes de la comedia son los poemas de Archilochus (siglo VII aC) y Hipponax (siglo VI aC) que contienen humor sexual crudo y explícito. Un tercer origen, y citado como tal por Aristóteles, se encuentra en las canciones fálicas que se cantaron durante los festivales dionisíacos.
UNA COMEDIA JUEGA
Aunque se produjeron innovaciones, una comedia siguió una estructura convencional. La primera parte fueron los paradosdonde el Coro de hasta 24 artistas ingresaron e interpretaron varias canciones y ritmos de baile. Vestidos para impresionar, sus extravagantes disfraces podrían representar desde abejas gigantes con aguijones enormes hasta caballeros montando a otro hombre a imitación de un caballo o incluso una variedad de utensilios de cocina. En muchos casos, la obra en realidad recibió el nombre del Coro, por ejemplo, Las avispas de Aristófanes.
Máscara de comedia griega
La segunda fase del espectáculo fue el agon, que a menudo fue una ingeniosa competencia verbal o debate entre los actores principales con elementos fantásticos de la trama y el cambio rápido de escenas que puede haber incluido alguna improvisación. La tercera parte de la obra fue la parábasis, cuando el Coro hablaba directamente al público e incluso hablaba directamente para el poeta. El final de una obra de comedia fue el éxodo cuando el Coro dio otra canción de canto y baile.
Al igual que en las tragedias, todos los artistas fueron actores, cantantes y bailarines. Un actor estrella y otros dos actores representaron todas las partes habladas. En ocasiones, se permitió un cuarto actor, pero solo si no fue instrumental para la trama. Las comedias permitieron al dramaturgo abordar más directamente los eventos del momento que el género formal de la tragedia. Los dramaturgos de comedias más famosos fueron Aristófanes (460 - 380 AC) y Menandro (342 - 291 AC) quienes ganaron concursos de festivales al igual que los grandes dramaturgos. Sus trabajos frecuentemente se burlaban de los políticos, filósofos y colegas artistas, algunos de los cuales incluso a veces eran espectadores. A Menander también se le atribuyó la tarea de ayudar a crear una versión diferente de las comedias conocidas como New Comedy (de modo que las obras anteriores se conocían como Old Comedy). Introdujo una joven y romántica protagonista de obras de teatro, que se convirtió, junto con varios otros tipos de acciones, como un cocinero y un esclavo astuto, un personaje básico popular. New Comedy también vio más giros de la trama, suspenso y tratamiento de la gente común y sus problemas diarios.
LEGADO
Nuevas obras se escribieron y representaron continuamente, y con la formación de gremios de actores en el siglo III aC y la movilidad de compañías profesionales, el teatro griego continuó extendiéndose por el Mediterráneo y los teatros se convirtieron en una característica común del paisaje urbano de la Magna Grecia. a Asia Menor. En el mundo romano las obras fueron traducidas e imitadas en latín, y el género dio lugar a una nueva forma de arte del siglo I a. C., pantomima, que se inspiró en la presentación y el tema de la tragedia griega. El teatro ahora estaba firmemente establecido como una forma popular de entretenimiento y perduraría hasta el día de hoy. Incluso las obras originales del siglo V aC han seguido inspirando al público moderno con su examen atemporal de temas universales, ya que se repiten regularmente en todo el mundo, a veces, como en Epidauro, en los teatros originales de la antigua Grecia.
LICENCIA:
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